Entradas de la categoría: Identidad

Invisible

Los personajes de Ivette Spradlin son invisibles, eludiendo la confrontación propia del retrato. En lugar de mirar al espectador miran a la oscuridad, en un frágil equilibrio entre la vulnerabilidad y el empoderamiento
¿Sienten esperanza o ansiedad?, ¿sonríen o lloran?… Sin pistas faciales, y sin conocer la verdadera intención del artista o del sujeto, el espectador se queda con más preguntas que respuestas. En lugar de que la imagen confronte al espectador, éste confronta su propia relación con lo desconocido. 
Es interesante lo que señala la autora sobre este proyecto:
Cuando hice este trabajo estuve reflexionando sobre por qué me atraían tanto estas imágenes. Creo que tiene que ver con el hecho de que yo mismo me siento muy incómoda con lo desconocido, y estos retratos precisamente me sitúan delante de lo desconocido. Hay una palabra alemana, Rückenfigur, utilizada para describir una obra de arte en la que la figura está de espaldas al espectador, lo que le permite situarse en la posición de esta figura. La diferencia con mi proyecto es que las figuras se enfrentan a la oscuridad y no a un paisaje o escena; si te sientas en su lugar como espectador, entonces miras a la nada.

La imagen (im)perfecta

El colectivo Metra-Jeanson (formado por los fotógrafos franceses Bruno Metra y Laurence Jeanson), han creado el proyecto ID 1 & 2: una serie de retratos en los que se abordan los conceptos de identidad, belleza y otredad.  
Experimentando con nuestra percepción visual, aplican recortes de revistas de los rasgos faciales de modelos y celebridades en las caras de sus modelos para crear una nueva forma de expresión facial, creando una sugerente yuxtaposición visual entre los seres humanos cotidianos y las imágenes que se ven en los anuncios. Se recortan caras para pegarlas en otras caras, creando algo extrañamente hermoso que nos hace cuestionar nuestra propia identidad.
Sobre este trabajo señalan:

Las revistas, el cine y la televisión siguen creando e imponiendo códigos que se convierten en referencias sociales: cómo maquillarse, qué ropa usar, cómo comportarse… Nos fascina el poder que tienen los medios para influir en las identidades de las personas. La fragilidad de su identidad se vuelve visible, casi tangible. Las leyes de la apariencia nos llevan, de hecho, a dar forma a nuestra propia imagen hasta el punto de la transformación. La belleza ya no es natural, sino socialmente condicionada.



Las líneas de la vida

La fotógrafa Jodi Champagne se aproxima a los sujetos de sus retratos con compasión y compromiso, reflejando sus rostros de un extraño modo que nos permite zambullirnos en su interior. En su serie Life Lines hay algo de búsqueda autobiográfica, con un incesante recorrido por todo el mundo, intentado hallar respuestas a sus prguntas:

Las líneas en una cara nunca mienten. Sus trazos profundos, oblicuos, refejan los estragos de la vida, y a medida que experimentamos se curvan y se vuelven más profundas. ¿Qué causa estos cambios? ¿Es el medio ambiente, décadas de desgaste? ¿O son las expresiones de un alma? Estoy fascinada con las historias que provienen de estas líneas de sabiduría. La belleza no siempre se lleva a cabo en la juventud.

Sano vs. Insano

Para Marjorie Salvaterra el mundo se expresa en blanco y negro, y a través de su particular visión explora la delgada línea que hay entre la cordura y la locura. De hecho, cuando miramos sus retratos, uno piensa: «podría ser yo mismo». Aunque inicialmente el proyecto trataba sobre retratos, comprobó que también era posible percibir emociones similares en sus cuerpos, así que decidió ampliarlo fotografiando varias partes de sus cuerpos, cada una como un retrato, para luego intentar explorar cómo sería combinar esas retratos entre sí.
Dice Marjorie:
Siempre me ha fascinado la psicología humana. Cuando la mayoría de las chicas leían a Judy Blume, yo estaba leyendo el DSM. Me di cuenta bastante joven de que había una línea delgada entre lo que se consideraba sano y lo que se consideraba una locura. ¿Estamos todos locos, al menos en ciertos momentos de nuestras vidas?. Algunos creen que las personas nacen sanas o enfermas. Otros creen que todos nacemos perfectos y que son las cosas que suceden en nuestras vidas las que nos perjudican. Tiendo a creer lo último. En cada retrato, busco esa línea en cada persona. La parte de nosotros mismos que tendemos a ocultar. La parte que nos asusta, la que generalmente se guarda para las personas más cercanas a nosotros. Los que conocen nuestros secretos.

Regreso a la infancia

A medida que envejecemos el espejo se convierte en un objeto de tremenda confusión: aunque nos sentimos jóvenes y aún muy vivos, nuestro reflejo nos demuestra que el tiempo corre. Esa es la idea motriz que Vera Saltzman intenta reflejar en su proyecto «Sue and Winnie«, en el que explora la mortalidad y el vínculo que existe entre nuestra niñez y quiénes somos ahora. Para ello pidió a mujeres mayores de 40 años que trajeran una muñeca infantil que tenía un tremendo significado para ellas.
Como señala Vera:
Sigmund Freud creía que lo extraño era algo que nos lleva de vuelta a lo antiguo y familiar, pero que a la vez es o incómodo. En esta serie exploro la idea de lo misterioso, que se manifiesta en un anhelo por la juventud y un reconocimiento de la mortalidad. Impulsados por la nostalgia de nuestra infancia perdida, muchos de nosotros hemos guardado nuestras muñecas: sentadas en un estante, enterradas en una caja en un armario, encerradas en un desván. Cada muñeca sirve como un punto de entrada en la historia de nuestra vida que tiene a la vez algo de extraña y familiar. 

 

Cartografía de la piel

Cuando Angélica Dass se propuso comenzar el proyecto «Humanae» tuvo claro que se trataba de un trabajo en continuo progreso, que tiene la intención de desplegar una gama cromática de los diferentes colores de la piel humana. No hay selección previa de participantes, ni por nacionalidad, género, edad, raza, clase social o religión.  
Dice Dass sobre este trabajo:
No hay una intención explícita de terminarlo en una fecha específica. Está abierto en todos los sentidos, e incluirá a todos aquellos que quieran ser parte de este colosal mosaico global. El único límite sería alcanzar completando a toda la población del mundo.
Esta taxonomía adopta el formato de la Guía Pantone, que da a la muestra un grado de tranversalidad que elimina la falsa preeminencia de algunas razas sobre otras en términos de color de la piel, del mismo modo que en un catálogo de colores los colores «primarios» tienen exactamente la misma importancia que los «mixtos». De hecho, la presentación de la gama de tonos de color nos invita a reflexionar sobre uno de los significados que contiene la palabra identidad: la asociada con la igualdad. Este proyecto está siendo utilizado como herramienta de trabajo en el ábito educativo, en estudios sobre etnografía, sociología…

 

Telarañas

En la serie de autorretratos titulada «Blind Vision» el fotógrafo Kurt Weston quiere representar las repercusiones físicas y psicológicas que la pérdida de la vista ha tenido en su vida. Weston era un reconocido fotógrafo de moda hasta que le diagnosticaron SIDA. Dos años después de su diagnóstico perdió la práctica totalidad de su visión y tuvo que abandonar su trabajo. Ya casi ciego, y tras superar un cáncer de estómago, sigue tomando fotos y se ha especializado en hacer autorretratos con un scanner. 

No se trata solo de ilustrar la pérdida de la visión física, sino también un viaje interno en el que se ven compormetidos sus miedos y emociones ante la idea de volverse totalmente ciego. Un viaje hacia una oscuridad infinita en la que la visión se ve oscurecida progresivamente, al tiempo que la visión artística y creativa crece exponencialmente. 
Señala Weston:
Utilizo la experiencia de la ceguera para expandir mi expresión creativa dentro del reino visual. Quería crear fotografías que representaran mi forma de ver las cosas. Ahí creé una serie de imágenes que se llaman «Blind Vision» (Visión Ciega), que representa no solamente la pérdida de la visión física, sino también la transición metafísica de quedarse ciego.

La respiración que dibujamos

El proyecto del fotógrafo Jess T. Dugan «Every Breath the Drew« nos adentra en los esos rincones poco visibles acerca del género, la sexualidad y la identidad y comunidad desde un punto de vistamuy íntimo y personal.
Como señala el autor:

Cada respiración que dibujamos explora el poder de la identidad, el deseo y la conexión a través de retratos de mí mismo y de los demás. Trabajando en el marco de mi sentido de masculinidad activamente construido, mis retratos examinan la intersección entre la identidad privada e individual y la búsqueda de una conexión íntima con los demás.

Para ello fotografía a las personas en sus hogares, a menudo en sus dormitorios, usando cámaras de formato medio y grande para crear un compromiso profundo y sostenido, que proporciona un resultado un retrato íntimo y detallado. Combina retratos formales, imágenes de parejas, autorretratos y fotografías de su propia relación  para investigar temas más amplios sobre la identidad. Las fotografías de esas relaciones nos hablan de un impulso para ser visto, comprendido y deseado a través de los ojos de otra persona; un reflejo del yo como una conexión íntima última.

Al pedir a otros que sean vulnerables conmigo a través del acto de ser fotografiado, estoy reclamando lo que considero hermoso y poderoso mientras hago preguntas más amplias sobre cómo se forma la identidad, se expresa el deseo y se busca una conexión íntima.

Demasiada vida

En 2014 la madre del artista Tony Luciani tenía noventa y un años de edad y ya no era capaz de cuidar de sí misma, así que decidió que lo mejor era que se quedara junto a él. Se planteó cómo conseguir reavivar esa chispa vital de la anciana y hacerle sentir su nuevo hogar como algo propio, así que poco a poco fue incluyendo a su madre en su proceso creativo, con el fin de hacerla sentir más «productiva». Con el tiempo, la colaboración madre-hijo resultó una experiencia estimulante para ambos, hasta el punto de que la juventud y excentricidad de la madre volvieron a mostrarse con toda su frescura, y el resultado fue el proyecto «The Strange Ones«.
Como el propio Tony explica al respecto:

«Las sesiones posteriores comenzaron a albergar más complejidad que mis ideas. Sus recuerdos y sus sentimientos se convirtieron en una bella historia que contar, y progresivamente sus aportaciones al proceso creativo dieron una riqueza que yo mismo no tenía prevista».

Los divertidos momentos de excentricidad juvenil capturados en las fotografías de Tony sirven como  contraste con esa imagen estereotipada de la vejez como sinónimo de deterioro gradual y, de paso, nos confronta con nuestro próximo (e inapelable) papel en el contexto de nuestra propia vejez.

Género masculino

Cuando pensamos en un hombre nos vienen a la cabeza ciertos clichés e ideas preconcebidas que asociamos a su identidad de género. Pero ¿cómo se define la masculinidad en realidad?… Si soltamos nuestros prejuicios ¿podríamos aceptar una revisión de esa idea de género?.
Esa es la propuesta de Jess T. Dugan a través de su proyecto «Every Breath We Drew«. Se trata de personajes de diferentes orígenes e ideologías, cada uno de los cuales revela su propia experiencia, sin ambigüedades, con naturalidad, a pesar de que muchos han sido marginados por la sociedad precisamente por cuestionar esas ideas establecidas.  
Un trabajo valiente y arriesgado en el que Dugan se compromete íntimamente, hasta el extremo de afirmar que «en cada uno de ellos me veo reflejado». En cada uno de ellos desvela su propia vulnerabilidad masculina.

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